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Leonardo da Vinci: 10 obras de arte más conocidas en el Mundo

Leonardo da Vinci: 10 obras de arte más conocidas en el Mundo

Leonardo da Vinci fue uno de los pintores de la época del renacimiento más reconocido y admirado, aquí están las 10 obras de arte más conocidas del artista. 

Por G. Medina

08/04/2021 11:02

Leonardo da Vinci no solo fue un gran pintor, creó composiciones innovadoras, investigó la anatomía para representar con precisión el cuerpo humano, consideró la psique humana para ilustrar el carácter y experimentó con métodos para representar el espacio y los objetos tridimensionales en una superficie bidimensional. 

Su gran curiosidad lo llevo a dejar muchos proyecto inconclusos aunque también logro algunas de las representaciones más realistas, complejas y tiernas de la naturaleza humana. 

Sus grandes experimentos influyeron en el arte de sus sucesores y, a menudo, se convirtieron en el estándar de representación en los siglos posteriores. 

Leonardo da Vinci falleció en el año de 1519, dejando muchos cuadernos llenos de apuntes y bocetos, pero muy pocas obras terminadas. Algunas de sus piezas fueron completadas por asistentes, pero otras se perdieron, destruyeron o se repintaron.

La Verdad Noticias tiene las 10 obras de arte de Leonardo da Vinci más conocidas en el Mundo entero. 

Mona Lisa

Mona Lisa , óleo sobre tabla de madera de Leonardo da Vinci.

La obra de arte más famosa del mundo, la Mona Lisa, atrae a miles de visitantes al Museo del Louvre cada día, muchos de los cuales se sienten atraídos por la mirada misteriosa y la sonrisa enigmática de la modelo. 

El retrato aparentemente ordinario de una mujer joven vestida con modestia con un velo fino, colores sombríos y sin joyas también puede confundir a sus espectadores, quienes pueden preguntarse por qué tanto alboroto. 

La sencillez de la pintura contradice el talento de Leonardo para el realismo. El rostro modelado suavemente del sujeto muestra su hábil manejo de, una técnica artística que utiliza sutiles gradaciones de luces y sombras, en lugar de líneas, para modelar la forma. 

El velo delicadamente pintado, las trenzas finamente labradas y la cuidada representación de la tela doblada revelan la incansable paciencia de Leonardo para recrear sus estudiadas observaciones. 

Además, la expresión desconcertante de la modelo solo aumenta su realismo. Su sonrisa puede ser atractiva o burlona; los espectadores no pueden entenderlo porque, como un ser humano, es una figura compleja, que encarna características contrarias simultáneamente.

Última Cena

Última Cena, pintura mural de Leonardo da Vinci.

Una de las pinturas más famosas del mundo, la Última Cena fue un encargo de Ludovico Sforza, duque de Milán y mecenas de Leonardo durante su primera estancia en esa ciudad, para el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie. 

Al representar una narración secuencial, Leonardo ilustra varios momentos estrechamente relacionados en los Evangelios, incluido Mateo 26: 21-28, en el que Jesús declara que uno de los apóstoles lo traicionará y luego instituirá la Eucaristía. 

Leonardo, que estaba intrigado por la forma en que el carácter de un hombre puede revelarse en la postura, la expresión y el gesto, describió la reacción única de cada discípulo a la declaración. 

Las posturas de los Apóstoles se elevan, caen, se extienden y se entrelazan mientras parecen susurrar, gritar, llorar y debatir en torno a Jesús, quien se sienta serenamente en el centro. 

Debido a la técnica de pintura experimental de Leonardo, en la que utilizó témpera o pintura al óleo en dos capas de fondo preparatorio, la obra comenzó a desintegrarse poco después de que la terminó. 

Los espectadores, sin embargo, aún pueden reconocerlo como un estudio complejo de diversas emociones humanas, reveladas en una composición engañosamente simple.

Hombre de Vitruvio

Hombre de Vitruvio, dibujo de Leonardo da Vinci.

El dibujo a pluma y tinta de Leonardo El Hombre de Vitruvio proviene de uno de los muchos cuadernos que tuvo a mano durante su madurez. 

Se acompaña de notas, escritas en escritura espejo, sobre las proporciones humanas ideales que el arquitecto romano Vitruvio presentó en un libro de arquitectura del siglo I a. C. El dibujo ilustra la teoría de Vitruvio de que el ser humano ideal podría caber dentro de un círculo y un cuadrado, dos formas irreconciliables. 

Leonardo resolvió el concepto dibujando una figura masculina en dos posiciones superpuestas: una con los brazos extendidos para encajar en un cuadrado y otra con las piernas y los brazos extendidos en círculo. 

La obra muestra no solo el esfuerzo de Leonardo por comprender textos significativos, sino también su deseo de ampliarlos. 

No fue el primero en ilustrar los conceptos de Vitruvio, pero su dibujo se convirtió más tarde en el más icónico, en parte porque su combinación de matemáticas, filosofía y arte parecía un símbolo apropiado del Renacimiento. 

El dibujo se encuentra ahora en la Gallerie dell'Accademia, Venecia., donde normalmente no se exhibe sino que se guarda en un archivo con clima controlado.

Autorretrato

Autorretrato, dibujo de Leonardo da Vinci.

Considerado durante mucho tiempo como un autorretrato, el dibujo de tiza roja de un anciano con cabello largo y ondulado y barba se ha reproducido hasta tal punto que define cómo la mayoría de la gente piensa sobre la apariencia de Leonardo. 

Sin embargo, algunos estudiosos argumentan que la figura, con sus rasgos escarpados, cejas fruncidas y ojos bajos, parece mucho más vieja que la edad que llegó a tener; Leonardo murió a los 67 años. 

Proponen que el dibujo puede ser uno de sus grotescos dibujos, bocetos que habitualmente hacía en sus cuadernos de personas con rasgos excéntricos. 

Quien quiera que represente el retrato, se aleja de los temas a menudo cautivadores de Leonardo, pero logró imbuir a la figura con la nobleza y la sabiduría de una edad madura.

La Virgen de las Rocas

La Virgen de las Rocas, óleo sobre tabla de Leonardo da Vinci.

Basados en evidencia estilística, muchos estudiosos consideran que la pintura La Virgen de las Rocas en el Louvre es la primera de dos pinturas que Leonardo hizo de una leyenda apócrifa en la que la Sagrada Familia se encuentra con San Juan Bautista cuando huyen a Egipto de la masacre de Herodes de los inocentes.

Leonardo estuvo involucrado en años de litigio con la Cofradía de la Inmaculada Concepción, que encargó el trabajo, y la disputa finalmente llevó a Leonardo a pintar otra versión del tema alrededor de 1508, que ahora se encuentra en la Galería Nacional de Londres.

La primera pintura muestra las formas en que Leonardo marcó el comienzo del Alto Renacimiento. Las primeras pinturas de este período a menudo representaban figuras en arreglos lineales, separados entre sí y de forma rígida. 

En La Virgen de las Rocas, sin embargo, las figuras de la Virgen María, el Niño Jesús, el niño Juan y un arcángel están dispuestos en una composición piramidal, y no solo ocupan un espacio de manera convincente, sino que interactúan entre sí a través de gestos y miradas. 

Una joven María sentada en el suelo en un misterioso paisaje rocoso, no en un trono como la representaban muchas pinturas del Renacimiento temprano. 

Su cuerpo tiene movimiento; parece balancearse cuando inclina la cabeza de manera protectora hacia el niño John, que se arrodilla en oración a la izquierda, y parece como si lo empujara hacia el Niño Jesús de la derecha. 

Jesús, a su vez, bendice a Juan como un arcángel, visto en una pose compleja desde atrás, señala a Juan y mira inescrutablemente hacia afuera al espectador.

Leonardo también excluyó notablemente los significantes santos tradicionales, halos para María y Cristo y un bastón para Juan, de modo que la Sagrada Familia parezca menos divina y más humana.

Cabeza de mujer

Cabeza de mujer (también llamada La Scapigliata ), pigmentos de óleo, tierra y plomo blanco sobre madera de álamo.

Cabeza de mujer, un pequeño dibujo a pincel con pigmento, representa a una mujer joven con la cabeza inclinada y la mirada baja. Su postura recuerda a la Virgen María en La Virgen de las rocas de Leonardo, lo que sugiere que el dibujo puede haber servido de modelo. 

El apodo del dibujo, La scapigliata, se traduce como "despeinado" y se refiere a los cabellos rebeldes de la joven. 

Los zarcillos y hombros vagamente dibujados contrastan con el rostro altamente acabado, donde Leonardo modela suavemente los delicados rasgos de la mujer, desde sus párpados pesados hasta sus tiernos labios. 

Revela los medios fluidos de trabajo de Leonardo, utilizando tanto dibujos expresivos para crear formas como capas controladas para proporcionar detalles.

Dama con un armiño

Dama con armiño, óleo sobre tabla de Leonardo da Vinci.

Muchos historiadores del arte identifican a la joven de La dama del armiño como Cecilia Gallerani, la amante del patrón de Leonardo, Ludovico Sforza, duque de Milán. El armiño se usaba a menudo como emblema del duque. 

La mujer gira la cabeza hacia la derecha, sus ojos brillantes parecen dirigidos hacia algo fuera del marco.

Aunque la pintura ha sido muy pintada, sobre todo el fondo oscuro, no obstante, revela el conocimiento de anatomía de Leonardo y su capacidad para representar el carácter en la postura y la expresión. 

Captura la juventud y el carácter afable de la niña en sus rasgos inocentes, su mirada atenta y el tierno abrazo del armiño, que se sienta con la cabeza ladeada regiamente y alerta.

Su mano delgada revela la complicada estructura ósea debajo de la piel, al igual que la cabeza del armiño sugiere el cráneo debajo de la piel finamente dibujada.

Salvator Mundi

Salvator Mundi, óleo sobre panel de nogal que se cree que fue pintado por Leonardo da Vinci.

El retrato de frente de Salvator Mundi (c. 1500; “Salvador del mundo”) fue noticia en 2017 cuando se vendió por un récord de 450,3 millones de dólares en una subasta. 

El alto precio fue aún más sorprendente si se considera que Salvator Mundi Estaba en mal estado, tenía una historia cuestionable y su atribución fue tema de debate entre académicos y críticos.

Muchos expertos comentaron sobre la escasa habilidad que se utiliza para representar el rostro de Jesús; la postura rígida, que era tan diferente a las poses retorcidas características del maestro del Renacimiento.

Y la representación poco convincente del globo de cristal, que, de ser sólido, habría reflejado una vista distorsionada de su soporte, un truco óptico que Leonardo habría conocido. 

Christie's, la casa de subastas que gestionó la venta, desestimó las críticas, señalando que cualquier falta de artesanía era el resultado de una fuerte restauración en siglos anteriores y señaló el suave modelado de la mano derecha de Jesús y la finura de sus apretados rizos, ambas características que se asemejaba a la técnica de Leonardo ultramar.

Es un pigmento azul muy caro de alta calidad a menudo reservado exclusivamente para virtuosos. 

El debate sobre la atribución continuó mucho después de la venta, pero el interés en la obra y la gran suma pagada en la subasta atestiguaban la perdurable celebridad de Leonardo y su poderosa posición en el canon de la historia del arte cinco siglos después de su muerte.

Ginevra de 'Benci

Ginevra de 'Benci, óleo sobre tabla de Leonardo da Vinci.

Ubicado en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, el retrato de Ginevra de 'Benci es la única pintura de Leonardo exhibida públicamente en el hemisferio occidental. 

Es una de las primeras obras de Leonardo, terminada cuando tenía poco más de 20 años, y muestra algunos de los métodos poco convencionales que usaría a lo largo de su carrera. 

Inspirado por sus contemporáneos del norte, Leonardo rompió con la tradición al representar a la joven solemne en una pose de tres cuartos en lugar del perfil habitual, por lo que pudo haber sido el primer artista italiano en pintar una composición de este tipo. 

Continuó usando la vista de tres cuartos en todos sus retratos, incluida la Mona Lisa., y rápidamente se convirtió en el estándar para el retrato, tan omnipresente que los espectadores lo dan por sentado en la actualidad. 

Leonardo también pudo haber usado sus dedos cuando la pintura todavía estaba pegajosa para modelar la cara de Ginevra, como lo sugieren las huellas dactilares encontradas en la superficie de la pintura.

En el reverso de la pintura, una corona de laurel y palma rodea una ramita de enebro y un pergamino con la frase en latín “la belleza adorna la virtud” entrelaza cada una de las flores. 

La apariencia truncada del reverso sugiere que la pintura puede haber sido cortada en la parte inferior, posiblemente debido a daños por agua o fuego. 

Algunos estudiosos especulan que el retrato en el anverso habría incluido las manos de Ginevra y proponen que un estudio con punta plateada de brazos y manos en el castillo de Windsor puede haber servido como dibujo preliminar.

La Virgen y el Niño con Santa Ana

La Virgen y el Niño con Santa Ana, óleo sobre tabla de madera de Leonardo da Vinci.

Algunos estudiosos creen que La Virgen y el Niño con Santa Ana fue la última pintura de Leonardo, y en esta obra utilizó muchas de las convenciones que había establecido a lo largo de su carrera para representar tres generaciones de la Sagrada Familia: Santa Ana, su hija, la Virgen María y el Niño Jesús.

Ana, en la cúspide de la composición piramidal, observa a María, sentada en su regazo, mientras la Virgen refrena con ternura al Niño Jesús para que no monte en un cordero. 

En contraste con el sabio niño Leonardo representado en La Virgen de las Rocas, la figura de Cristo en La Virgen y el Niño con Santa Ana Parece inocente, demuestra un comportamiento juvenil juguetón y muestra una expresión de confianza mientras le devuelve la mirada a su madre. 

Las interacciones entre las figuras se sienten íntimas y revelan la capacidad de Leonardo para representar relaciones humanas convincentes.

La pintura también muestra el interés de toda la vida de Leonardo por representar de manera creíble el espacio tridimensional en una superficie bidimensional. Como en muchas de las pinturas de Leonardo, las figuras se sientan en medio de un paisaje fantástico. 

Usando la perspectiva aérea, una técnica sobre la que escribió en su Tratado de pintura, Leonardo creó la ilusión de la distancia al pintar las formaciones rocosas del fondo para que parezcan azul grisáceas y menos detalladas que el paisaje del primer plano. 

Leonardo da Vinci usó esta técnica en muchos de los paisajes de sus obras anteriores, incluida la Mona Lisa y La Virgen de las Rocas.

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